Il brano presenta un’introduzione data da un’idea melodica esposta prima dal pianoforte e poi da quest’ultimo insieme al clarinetto.

In seguito, il vero e proprio tema del brano in lingua inglese viene esposto dalla voce a tempo rubato con il pianoforte che funge da accompagnamento. Terminata l’esposizione tematica, il clarinetto lancia il solo vocale con una scansione swing da parte del pianoforte.

Il brano “Il Maestro di violino” presenta una breve introduzione da parte del pianoforte a tempo rubato, dopodiché parte una prima sezione ad andamento medio dove dialogano, ad imitazione, la voce e il clarinetto, con il pianoforte che accompagna.

In seguito vi è un punto di corona, il quale mette fine ad una scansione ritmica “metronomica” e dà il via ad una scansione di tipo swing. Tale scansione si può percepire sia dall’accompagnamento del pianoforte e sia dallo spostamento di accenti ritmici da parte del clarinetto e della voce. Nelle sezioni musicali conclusive del tema si percepisce un lieve rallentando nella parte più riflessiva del brano, con il testo che esprime l’innamoramento del Maestro nei confronti dell’allieva, nonostante i trent’anni di differenza tra i due. Il secondo tema viene annunciato dal clarinetto con la voce che agisce per imitazione (il contrario rispetto alla prima esposizione tematica).

Successivamente, la scansione swing viene “lanciata” da una scala da parte del clarinetto. Terminato anche il secondo tema, il brano presenta una parte finale in cui la voce non canta più un testo ma una parte improvvisata e il clarinetto contrappunta arricchendo l’armonia esposta dal pianoforte. Il clima del brano è molto più jazzistico rispetto alla versione originale interpretata da Domenico Modugno. L’armonia è stata rivisitata in chiave jazz e l’andamento che si percepisce, in maniera prevalente, è di tipo swing.

La canzone evoca l’immagine di una città eterna, ricca di storia e bellezza, ma anche di contraddizioni e difficoltà. Nonostante le problematiche, Roma viene descritta come resiliente, capace di resistere a tutto ciò che cerca di piegarla o cambiarla.

Un dolce e struggente motivo musicale che riflette i temi principali del film: l’amore, la nostalgia, la memoria e il legame indissolubile con il passato. Il tema accompagna le scene più intime e toccanti del film, in cui si ripercorre la storia d’amore tra i due protagonisti, Salvatore e Elena, e, più in generale, il ricordo di un’infanzia vissuta in un piccolo paese siciliano, intrecciata con la magia del cinema.

Il brano riesce a trasmettere un mix di emozioni: dalla tenerezza e affetto del rapporto tra padre e figlio, alla tristezza e all’intensità del dramma vissuto. La colonna sonora di Piovani è diventata uno degli elementi più riconoscibili del film e ha contribuito significativamente al suo successo globale, vincendo anche il Premio Oscar per la miglior colonna sonora originale.

“Buongiorno Principessa” è una celebrazione dell’amore e della fantasia, elementi centrali della narrazione di “La vita è bella,” ed è uno dei brani che maggiormente contribuisce a rendere la colonna sonora di Piovani indimenticabile e toccante.

La particolarità di questo brano è quella dell’organico, infatti non è in trio poiché non è presente il
clarinetto ma solamente la voce e il pianoforte.

Il brano è molto poetico (il testo è di Pier Paolo Pasolini) ed è interamente a tempo rubato.
Il pianoforte deve accompagnare e seguire la voce nei suoi cambi di tempo e nelle sue sfumature
dinamiche, le quali di volta in volta possono essere differenti in base alle sensazioni che emergono, in quel determinato momento, all’esecutore.
A livello armonico, rispetto alla versione originale interpretata da Modugno accompagnato dal mandolino, il brano risulta completamente rivisitato e arricchito con molti accordi anche alterati, i
quali fanno immergere l’ascoltatore in un clima assolutamente jazz.

Anche la scelta stilistica è particolare: quando si esegue questo brano con la tastiera (al posto del
pianoforte) l’idea è quella di un utilizzo di suoni elettronici, i quali sono in grado di rimandare ad
un’atmosfera musicale quasi fantasiosa e illusoria.

Il brano inizia con un’introduzione solistica del clarinetto a tempo rubato con dei salti alquanto repentini di 9ª e di 11ª. In alcuni punti di questa introduzione vi sono degli abbellimenti come acciaccature e trilli. Inoltre si alternano, per quanto riguarda il tempo, delle situazioni musicali statiche e dinamiche con alcuni accelerando e rallentando.

L’introduzione termina con due misure omoritmiche e all’ottava da parte del clarinetto e del pianoforte. Dopodiché la voce espone il tema del brano in lingua inglese con il solo clarinetto ad accompagnarla mediante delle note lunghe che in qualche maniera definiscono l’armonia, dal punto di vista dell’arrangiamento è sicuramente una scelta particolare ma che risulta efficace. Verso la metà dell’esposizione tematica entra anche il pianoforte e si procede non più a tempo rubato ma a tempo. In seguito, viene proposto un assolo della voce accompagnato esclusivamente dal pianoforte sulle prime due sezioni del pezzo, successivamente vi è il solo del pianoforte sulle ultime due sezioni del tema. In conclusione, il clarinetto lancia con una misura di tutti quarti il tema che viene ripreso nuovamente dalla voce con testo in lingua italiana e il pianoforte accompagna armonicamente (e scandisce il tempo) i due strumenti monodici.

Dal punto di vista dell’ascolto, il brano risulta libero nel fraseggio ed originale dal punto di vista dell’arrangiamento in chiave jazz, soprattutto a livello armonico